역사에 흔적을 남긴 유명한 이탈리아 르네상스 회화 20선

1400년대에 중세가 막을 내리면서 이탈리아에서 예술과 문화의 새로운 시대가 탄생했습니다. 르네상스 이탈리아의 단어에서 파생 -a 기간 Rinascimento , 또는 "부활"은 종종에 지대한 영향했다 미술, 음악, 문학의 황금 시대로 간주 -is 예술 역사의 과정을 .

이 기간은 선형 원근법, 단축법, 해부학적 사실주의와 같은 필수적인 창작 개념을 도입했을 뿐만 아니라 보티첼리, 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로와 같은 유명한 예술가를 배출했습니다 . 고대 이래 처음으로 화가들은 인본주의적 이상을 바탕으로 주제를 자연주의적으로 묘사하려고 했습니다.

14세기와 16세기 사이에 이탈리아 예술이 어떻게 발전했는지 보고 싶으십니까? 여기 에서 역사에 흔적을 남긴 유명한 르네상스 그림 20점을 살펴보겠습니다 .

이탈리아 르네상스를 둘러보고 그 시대의 유명한 그림 20점에 대해 알아보세요.

초기 르네상스

MASACCIO, 삼위일체, C.1427

Masaccio, "거룩한 삼위일체", c. 1426-28. (사진: 위키미디어 커먼즈 , 공개 도메인)

피렌체의 산타 마리아 노벨라 도미니칸 교회에서 그린 삼위일체 프레스코는 체계적인 선형 원근법 을 사용한 최초의 생존 그림 입니다. 기록에 따르면 Masaccio 는 소실점에 못을 박고 끈을 연결하여 선이 수렴되는 방식을 결정했습니다.

파올로 우첼로, 산 로마노 전투, C. 1435-1460

파올로 우첼로, "산 로마노 전투", c. 1435-1460년. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 Uffizi , 공개 도메인)

예술가이자 수학자인 파올로 우첼로는 1432년 피렌체 외곽에서 일어난 사건인 산 로마노 전투를 표현하기 위해 3개의 그림을 그렸습니다. 그는 원근법을 사용하여 구도에 깊이감을 부여했지만 이러한 방식으로도 장면을 렌더링했습니다. 연극 무대를 닮았다는 것이다.

피에로 델라 프란체스카, 그리스도의 깃발, C. 1468–70

피에로 델라 프란체스카, "그리스도의 채찍질", c. 1468-70. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 국립 마르쉐 미술관 , 공개 도메인)

Piero della Francesca의 The Flagellation of Christ 는 르네상스 예술에서 선형 원근법의 또 다른 초기 예입니다. 미술사가 Kenneth Clark이 "세계에서 가장 작은 그림"이라고 칭한 이 작품은 로마인들이 그린 그리스도의 깃발을 주제로 한 특이한 구성이 특징입니다. 전경에는 과거, 현재, 미래를 대표할 수 있는 세 사람이 있고, 배경에는 본디오 빌라도가 지켜보는 가운데 로마 군인이 그리스도를 채찍질하고 있습니다.

ANTONELLO DA MESSINA, ST. JEROME IN HIS STUDY, C.1474

안토넬로 다 메시나, "성. 그의 연구에 있는 Jerome,” c. 1474. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 내셔널 갤러리 , 공개 도메인)

미술사가 조르지오 바사리(Giorgio Vasari)에 따르면 안토넬로 다 메시나는 북부 르네상스 시대에 대중화된 매체인 유화를 이탈리아에 도입했다고 합니다. 그의 작품 St. Jerome in His Study 는 Jan Van Eyck 의 정확한 회화 스타일의 영향을 분명히 보여주었습니다 .

작품의 복잡한 디자인은 인간, 자연, 신의 다양한 지식을 기반으로 합니다. Da Messina는 원근법과 기하학을 사용하여 건축 공간 내에서 도상학을 구성합니다.

ANDREA MANTEGNA, LAMENTATION OF CHRIST, C. 1480년대

안드레아 만테냐, “그리스도에 대한 애가”, c. 1480년대. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 Pinacoteca di Brera , 공개 도메인)

르네상스 예술가 Andrea Mantegna는 그의 예술에서 원근법을 실험하는 것으로 유명했으며 이러한 관심은 그의 템페라 그림 Lamentation of Christ 에서 가장 잘 예시됩니다 . 이 작품은 성모 마리아, 성 요한, 그리고 막달라 마리아가 그리스도의 시체를 두고 우는 모습을 묘사하고 있습니다. 그러나 다른 애가 와 달리 만테냐 는 그림에서 극적인 단축법 을 사용 하여 보는 사람이 그리스도의 몸을 먼저 바라보게 만듭니다.

**PIETRO PERUGINO, KEYS OF THE KEYS , C. 1481–2**

피에트로 페루지노, “열쇠 배달”, c. 1481–2 (사진: Wikimedia Commons , 공개 도메인)

그의 제자 Raphael이 그를 능가하는 명성을 얻었지만 Pietro Perugino는 르네상스 예술에 상당한 공헌을 했습니다. 열쇠 배달은 시스티나 예배당에 있는 그의 가장 중요한 프레스코화 중 하나입니다.

마태복음 16장에서 예수님께서 베드로에게 천국 열쇠를 주신 장면을 묘사하고 있습니다. 이 작품은 작가가 선형 원근법을 사용하여 배경에 깊이를 부여한 방법을 보여주는 훌륭한 예입니다.

산드로 보티첼리, 봄, C. 1477–82

산드로 보티첼리, "봄", c. 1477–82 (사진: Wikimedia Commons 를 통한 Uffizi , 공개 도메인)

Sandro Botticelli는 1480년경 Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici의 사유지를 위해 그의 첫 번째 신화 작품인 Primavera를 그렸습니다 . 그것은 그리스와 로마 신화의 예술과 장면에서 가톨릭 도상학으로부터의 전환을 반영하기 때문에 획기적인 르네상스 그림으로 간주됩니다 . 예를 들어, 이 그림은 로마 여신 비너스를 중심으로 봄의 우화적인 축하를 묘사합니다.

레오나르도 다빈치, 바위의 성모 , 1483-6

레오나르도 다빈치, "바위의 처녀", c. 1483-6. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 루브르 박물관 , 공개 도메인)

Leonardo의 Virgin of the Rocks 에는 두 가지 버전이 있지만 루브르 박물관에 보관되어 있는 이전 버전은 전적으로 그가 그린 것으로 간주됩니다. 그것은 모호하고 초록빛 배경에서 성모 마리아, 아기 예수, 유아 세례 요한, 천사를 묘사하기 위해 삼각형 구성을 사용합니다. 다른 다빈치 그림과 마찬가지로 상당한 스 푸마토 기법을 사용합니다.

산드로 보티첼리, 비너스의 탄생, C. 1484–6

산드로 보티첼리, "비너스의 탄생", c. 1484-6. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 Uffizi , 공개 도메인)

15세기 후반에 만들어진 비너스의 탄생 은 보티첼리의 또 다른 유명한 신화적 그림입니다. 그것은 확대된 가리비 껍데기에 알몸으로 서 있는 사랑과 미와 관련된 로마의 여신인 최근에 태어난 비너스를 보여줍니다. 그녀의 옆에는 자연과 관련된 고전 신화의 다른 세 인물이 있습니다. 이 작품은 오늘날 르네상스 미술의 대명사이지만 당시에는 여성 누드 의 중요성 이 전례가 없었습니다.

높은 르네상스

레오나르도 다빈치 , 지렁이를 안고 있는 여인 , C.1489–1491

레오나르도 다빈치, "어민을 안고 있는 여인", c. 1489-91. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 Czartoryski 박물관 , 공개 도메인)

르네상스의 거장 레오나르도 다빈치 가 모나리자를 제작 하기 몇 년 전에 그는 또 다른 중요한 초상화를 그렸습니다. 에르민을 안고 있는 여인(Lady with an Ermine) 이라는 제목의 이 유화는 르네상스 시대의 초상화 와 키아로스쿠로 스타일 의 한 예 입니다.

그것은 그녀의 팔에 크고 흰 족제비 (또한 ermine라고도 함)를 들고 도금 머리를 한 젊은 여성을 묘사합니다. 이 그림은 해부학적 사실주의에 대한 다빈치의 관심을 훌륭하게 보여주지만, 초상화와 그 후원자의 주제와 관련된 의미를 가진 상징으로 에르민을 사용하기도 합니다.

레오나르도 다빈치, 최후의 만찬, 1495-8

레오나르도 다빈치, "최후의 만찬", 1495–8 (사진: Wikimedia Commons , 공개 도메인)

15세기 말 완성된 이후 <최후의 만찬> 은 압도적인 스케일 과 독특한 구성, 신비로운 소재로 관객들을 사로잡았다 . 다빈치의 후원자인 루도비코 스포르차는 그에게 신약성경 요한복음에 묘사된 대로 예수님의 마지막 식사를 그려달라고 요청했습니다.

흥미롭게도 레오나르도는 예수가 추종자들 중 한 명이 자신을 배신할 것이라고 말하는 순간을 묘사하기로 선택하여 그림의 대부분을 인물들의 개별적인 표현 반응에 초점을 맞췄습니다.

라파엘로, 동정녀의 결혼, 1504년

라파엘, "성모의 결혼,"1504 (사진 : 피나 디 브레라 를 통해 위키 미디어 공용 , 공공 도메인)

르네상스 시대의 거장이자 아동 신동인 라파엘로 가 21세 때 성모 마리아의 결혼을 만들었습니다 . 그의 대가인 피에트로 페루지노의 그림에서 영감을 받아 마리아와 요셉의 결혼식을 그린 작품입니다.

미술 사학자 조르지오 바사리(Giorgio Vasari)는 개선 사항에 대해 "사전에는 세심하게 주의를 기울여 그렸기 때문에 자신이 그곳에서 해결하기로 결정한 문제의 어려움을 보는 것이 놀랍습니다."라고 말했습니다.

미켈란젤로, 도니 톤도 , 1506

미켈란젤로, "도니 톤도", 1506(사진: Wikimedia Commons 를 통한 Uffizi , 공개 도메인)

미켈란젤로는 그의 저명한 시스티나 예배당 천장을 시작 하기 전에 그의 유일한 완성된 패널 페인팅을 만들었습니다. 도니 톤도는 아기 예수, 마리아, 요셉을 포함하여 성령 패밀리의 초상화와 Agnolo 도니의 결혼을 맞는다. 생생한 색상 팔레트와 인물의 조각적 모델링은 미켈란젤로의 회화 스타일의 전형입니다.

레오나르도 다빈치, 모나리자 , 1506

레오나르도 다빈치, "모나리자", c. 1503-6. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 루브르 박물관 , 공개 도메인)

호기심 많은 도상과 독특한 역사로 유명한 다빈치의 모나리자 는 미술사에서 가장 유명한 그림 중 하나가 되었습니다 . 르네상스 초상화에는 여성의 모습이 나타나 있습니다. 대부분의 사람들은 천과 비단 상인 Francesco Giocondo의 아내인 Lisa Gherardini로 추정됩니다. 그녀는 로지아 또는 적어도 한쪽 면이 열린 방에 앉아 있는 것으로 표시 됩니다.

그녀의 뒤에는 예술가가 상상하고 sfumato를 사용하여 그린 흐릿하고 외딴 풍경 이 있습니다. 기술은 "선이나 경계가 없으며 연기 방식으로 또는 초점 평면을 넘어" 형태 를 만듭니다 .

조르조네, 폭풍우, C. 1506-8

조르조네, "폭풍우", c. 1506-8. (사진: Wikimedia Commons 를 통한 Gallerie dell'Accademia , 공개 도메인)

르네상스가 끝나갈 무렵, 베네치아 회화 학교는 선보다 색을 강조하면서 번성하기 시작했습니다. 조르조네는 이 스타일의 선구적인 화가 중 한 명이며, 《템페스트》 는 그의 가장 사랑받고 가장 모호한 예술 작품 중 하나로 남아 있습니다.

전경에서 오른쪽에는 아기에게 모유 수유를 하는 익명의 여성이 있고 왼쪽에는 긴 지팡이를 든 군인이 서 있습니다. 제목은 전경에서 사용되는 어두운 색상 팔레트에서 강조되는 배경에서 발생하는 임박한 폭풍에서 파생됩니다.

라파엘로, 아테네 학파, 1509-11

라파엘로, "아테네 학당", 1509-11. (사진: 위키미디어 커먼즈 , 공개 도메인)

아테네 학파는 라파엘로가 교황궁의 세그나투라 연(Stanza della Segnatura)에 그린 4개의 벽화 중 하나입니다. 예술, 철학, 과학을 하나의 그림으로 융합시킨 걸작으로 평가받고 있습니다. 작품에 묘사된 많은 인물 중에는 그리스 철학자 플라톤, 아리스토텔레스, 소크라테스, 수학자 유클리드와 피타고라스가 있습니다.

미켈란젤로, 아담의 창조 , C. 1508–12

미켈란젤로, "아담의 창조", c. 1508–12 (사진: Wikimedia Commons , 공개 도메인)

미켈란젤로는 4년 동안 교황 율리우스 2세를 위해 시스티나 성당 천장을 그리는 데 보냈다 . 놀라운 규모뿐만 아니라 복잡한 구성과 고전적인 영감으로 유명합니다.

그리고 천장의 디자인을 구성하는 많은 패널 중에서 아담 의 창조가 가장 유명합니다. 그것은 아담이 하나님의 손길로부터 생명을 받기 직전에 한 팔을 뻗은 나른한 자세로 묘사됩니다.

**티치아노, 신성하고 세속적인 사랑 , 1514**

티치아노, "신성한 세속적 인 사랑,"1514 (사진 : 보르 게세 미술관 을 통해 위키 미디어 공용 , 공공 도메인)

이탈리아 르네상스의 거장인 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 중에는 색채의 대가인 티치아노 도 있습니다 . Sacred and Profane Love 는 작가의 초기 그림 중 하나로, 이를 의뢰한 남자의 결혼을 기념하기 위해 제작되었습니다. 중심 인물의 정체를 밝히는 다양한 설이 있지만, 이 그림의 진정한 의도는 여전히 미스터리로 남아 있다. 그럼에도 불구하고 이 작품은 티치아노의 색채와 구성에 대한 숙달의 훌륭한 예입니다.

후기 르네상스

티치아노, 우르비노의 비너스, 1538년

티치아노, "우르비노의 비너스", 1538년 (사진: Wikimedia Commons 를 통한 Uffizi , 공개 도메인)

1510년 조르조네와 1516년 조반니 벨리니가 사망한 후, 티치아노는 베네치아 양식을 주도적으로 지지했습니다. 우르비노의 비너스(Venus of Urbino) 는 화려한 방 안의 침대에 누워 있는 벌거벗은 여성을 묘사합니다. Sacred and Profane Love 와 마찬가지로 Urbino의 Venus 에서 알 수 없는 여성의 정체성 과 도상학의 의미는 작품에 대한 다양한 해석으로 이어졌습니다. 마네의 올림피아를 비롯한 많은 유사한 그림에 영감을 주었습니다 .

미켈란젤로, 최후의 심판 , 1541년

미켈란젤로, "최후의 심판", 1536-41 (사진: Wikimedia Commons , 공개 도메인)

미켈란젤로가 시스티나 예배당 천장을 완성한 지 수십 년 후, 그는 같은 건물로 돌아와 또 다른 프레스코를 추가했는데 이번에는 전체 제단 벽을 덮었습니다. 최후의 심판 은 예수 그리스도의 재림과 인류에 대한 하나님의 최종 심판을 담고 있습니다.

이 주제는 르네상스 시대에 드문 일이 아니었지만 미켈란젤로의 해석은 대부분이 누드인 300명의 인물 과 일부 신화적 요소와의 융합으로 두드러 집니다. 이 두 가지 모두 미켈란젤로의 동시대 사람들 사이에서 논란의 여지 가 있는 프레스코를 만들었습니다 .

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